ALGO, gestionado por OMR, es un espacio cultural independiente que, por medio de la cultura y las artes, busca generar reflexiones sobre la contemporaneidad y nuestro papel en el futuro de la Tierra. Un proyecto híbrido que buscará organizar exposiciones con otros agentes culturales para crecer a partir de la colaboracion.

Atelier Van Lieshout, Nina Beier, Matti Braun, François Bucher, Pía Camil, José León Cerrillo, Jose Dávila, Pablo Dávila, Simon Fujiwara, Mario García Torres, Yann Gerstberger, Trix & Robert Haussmann, Christian Jankowski, Alicja Kwade, Guillame Leblon, Artur Lescher, Marie Lund, Benoît Maire, Jorge Méndez Blake, Ana Montiel, Rubén Ortiz Torres, Gabriel Rico, Eduardo Sarabia, SUPERFLEX, Torolab, Troika, James Turrell

Form follows energy es una máxima que engendra una reconexión con la lógica de la creación y, consecuentemente, por medio de una reacción en cadena, traza la historia de lo que concebimos como tiempo, desde el Big Bang (energía) hasta la vida actual en la Tierra (forma).

Esto implica que la forma de cualquier realidad es resultado de la energía que se ha puesto en movimiento. En arquitectura, por ejemplo, form follows energy aplica a la relación entre la energía y la forma de nuestro ambiente construido. La cubierta en forma de paraboloide hiperbólico de este edificio modernista —obra central de esta exposición— es un perfecto ejemplo de la optimización de flujos de energía en su estructura. Así como la distribución de energía en su cubierta es lo que da forma al edificio, la energía que invertimos en este proyecto es testamento de la forma que hoy cobra.

En esa misma lógica, la energía que manifestamos hacia la Tierra es la que la transforma. Esto se vuelve más evidente si reflexionamos sobre nuestro pasado como especie y nuestro destino actual, en el que el desequilibrio muestra sus primeras consecuencias realmente graves. Si abreviamos la historia del planeta en 24 horas, el ser humano moderno aparece en el último instante del día, justo a la medianoche. Sin embargo, en ese ínfimo periodo, ha fragmentado lo que la energía vital, en su equilibrio, tardo 4,600 millones de años en formar. La realidad es resultado de un programa que ha regido nuestro sistema operativo hasta la fecha: form follows function. Si somos conscientes más allá de la función utilitaria de este silogismo (es decir, como herramienta en el diseño funcionalista), describe el camino que fuimos tomando inconscientemente como especie dominante en la Tierra.

Form follows function es, a la fecha, la premisa de una especie individualista, que hace uso del planeta como un recurso controlable y extraíble. Form follows energy, en cambio, implica alinearse a la lógica de la creación y activamente, contribuir a que el siguiente eslabón de la cadena de reacciones este en sintonía con la energía vital.

Esta exposición sigue la lógica de ambos silogismos. A traves del trabajo de 27 artistas la muestra presenta una secuencia de momentos simbólicos que ilustran el punto en el que estamos a partir de aquel del que venimos, e insinúa oportunidades para actualizar nuestro sistema operativo.

El sentido del recorrido es acumulativo de un núcleo al siguiente, hasta completar una narración donde el viajero regresa, transformado, al origen. El primero de estos caminos explora aquello que ya sabemos, lo que ya sucedió, y nos invita a adentrarnos en nuestra memoria.

Yann Gerstberger
(Francia, 1983)
Isola Zero, 2022 Gis y carboncillo

Yann Gersteberger es un artista francés que vive en México desde 2012. Desde entonces ha producido una serie de textiles que desarrollan narrativas inspiradas por los patrones de la cultura popular, la historia del arte y la naturaleza mexicana. Estos trabajos son producidos con una técnica original concebida por el artista: pega fibras de algodón (originalmente trapeadores) sobre vinil para formar superficies coloridas. Las fibras de algodón son teñidas a mano con tintes.

Yann Gerstberger construye a través de sus pinturas/textiles un vocabulario vernáculo inspirado por las fábulas pánicas de Alejandro Jodorowsky; una fantasía latinoamericana vista desde Europa.

Núcleo 1: Memoria

Jorge Méndez Blake
(México, 1974)
Biblioteca completa (Español), 2021 Neón

Desde el inicio de su carrera, Jorge Méndez Blake ha explorado las posibles relaciones entre la literatura y las bellas artes. En su obra, la literatura se convierte en una herramienta que articula situaciones, lugares y objetos donde cada pieza está llena de significados teóricos relacionados entre sí. Los resultados visuales de un diálogo con la literatura crean obras complejas brindando una forma específica que ocurre solo en el ámbito de la imaginación y el deseo.

Una meditación sobre la forma en que organizamos el mundo escrito y la historia de la literatura, esta serie de obras de neón reúne títulos que condensan toda la obra de un autor. Desde las bibliotecas antiguas hasta las colecciones de libros modernos, bibliotecarios, editores y estudiosos han tratado de ordenar y organizar el mundo literario y la producción de texto, pero en esta búsqueda, como en cualquier reducción, las cosas quedan atrás u olvidadas. Las preguntas surgen cuando miramos los estantes de cualquier biblioteca, y sus respuestas se encuentran en el futuro de la forma en que catalogamos y ordenamos el lenguaje y la historia: ¿Cómo recopilamos el legado de un escritor? ¿Cuándo un poema o una novela está realmente terminado y listo para ser publicado? ¿Cómo guardamos el conocimiento para las generaciones futuras?

Simon Fujiwara
(UK, 1982)
Moctezuma’s Revenge, 2011
La venganza de Moctezuma
Silla de mimbre, cactus de fibra de vidrio y maceta de barro

El arte de Fujiwara presenta una investigación profunda sobre la naturaleza de la historia, la memoria y la identidad diseñando narrativas complejas, tanto personales como políticas. Basándose en una constelación de diversos artefactos, lugares y eventos, sus instalaciones multimedia generalmente involucran performance, música, arquitectura, conferencias y diversas formas literarias, lo que permite la auto-invención creativa y una exploración evolutiva de su historia personal.

Este trabajo proviene de una serie de obras que el artista produjo durante extensas visitas y estadías en México durante un período de varios años a principios de la década de 2010 alrededor del centenario de la independencia de México de España. Como siempre, la propia biografía del artista está profundamente entrelazada con el trabajo que realiza, en este caso, un cuestionamiento de su papel como visitante ‘europeo’ de México, y los sistemas de opresión imaginarios o reales que está (re)actuando en el proceso. Aquí se ve una silla de estilo colonial empalada con un cactus en su asiento, una imagen violenta pero cómica. El título La venganza de Moctezuma es un eufemismo para las enfermedades estomacales y la diarrea que a veces experimentan los extranjeros en sus estadías en México: Moctezuma es el último líder del imperio mexicano depuesto por los colonizadores europeos. Mezclando una verdadera silla antigua con un atrezo como un cactus artificial, la obra juega con la teatralidad y el artificio que atraviesan la obra de los artistas, y propone una metáfora material sobre la cuestión de la naturaleza de nuestra historia, cultura e identidades que son a la vez auténtica y construida.

Marie Lund
(Dinamarca, 1976)
Stills, 2013
Fotogramas
Cortina decolorada por el sol

La práctica de Marie Lund presenta fuerzas reaccionarias e impresiones a medida que explora el lugar y el momento de intersección donde diferentes objetos se encuentran con el mundo exterior. Trabajando entre la escultura e instalación, su trabajo abarca materiales desde diferentes textiles y objetos encontrados hasta cemento, madera, cobre y otros materiales naturales.

Lund manipula cuidadosamente estos elementos dejando visibles las huellas físicas del proceso para que las encontremos en las formas que ella crea. A través de estas formas, la artista nos conduce por un camino de nuevas experiencias y percepciones: extrayendo lo sublime de lo ordinario.Con su serie Stills, 2013, Marie Lund continúa su exploración de huellas y objetos cotidianos. Tendidas como un lienzo, Lund utiliza cortinas encontradas, cuyos colores han sido decolorados en partes por el sol. Los patrones emergen, dando a la obra una cualidad casi pictórica, mientras que al mismo tiempo nos mantiene adivinando su origen. En Stills de Marie Lund, la presencia del sol transforma la cortina, no sólo suprimiendo ciertos elementos pero también creando algo en su ausencia.

Pablo Dávila
(México, 1983)
El otro lado del mundo, 2021 Pantalla y computadora

En su práctica multidisciplinaria, Pablo Dávila toma como punto de partida los medios artísticos tradicionales para cuestionar cómo reflejan la construcción social del espacio y el tiempo. Su práctica adopta diferentes formas, que abarcan video, electrónica, instalación de luz, fotografía, pintura conceptual e intervenciones específicas del sitio.

Informado por la ciencia, la música, la poesía, las ciencias cognitivas y los fenómenos físicos, su trabajo profundiza en las nociones de percepción, la fugacidad del tiempo y las interpretaciones históricas. Los gestos poéticos que plantea el artista desencadenan un cuestionamiento de nuestras expectativas frente al paso del tiempo y la lente psicológica con la que procesamos los acontecimientos en nuestra memoria.

El otro lado del mundo, 2021, es una simulación en tiempo real de las coordenadas antípodas de la ubicación actual de la obra. Un sistema analiza e interpreta las condiciones climáticas y geográficas de ese lugar preciso del mundo y genera una imagen que cambia constantemente. ¿Puede la realidad emerger de la ficción?

Guillaume Leblon
(Francia, 1971)
4 pm, Frévent, 2021 Instalación de sonido: Grabación de 38s, reproducida cada hora

Guillaume Leblon experimenta con varias técnicas y materiales para crear “paisajes” cargados de emociones. Debido a la vertiente teatral de su obra, el espacio expositivo se convierte en el material protagonista. En estos “paisajes”, Leblon ordena componentes de connotación histórica, desde el clasicismo hasta la hiper contemporaneidad, utilizando elementos manufacturados o coleccionados que le permiten explorar el paso del tiempo.

Separa las nociones de lugar y tiempo creando instalaciones escultóricas efímeras donde la experiencia sensorial  presente y su transcurrir va acompañada de cierta melancolía.

Las cuatro de la tarde es una hora difícil de definir: es ese momento del día en el que nos encontramos entre momentos. La instalación sonora, 4 pm, Frévent, se inspira en la experiencia de Leblon en Frévent, un pequeño pueblo de Francia donde residía su madre. Cuando a las 4 de la tarde sonaban las campanas de la iglesia, el sonido se apoderaba de todo el pueblo, se transformaba en espacio y transportaba a cualquier testigo a un viaje de ultraconciencia del espacio y del tiempo. Esta reflexión es un recuerdo de la madre del artista, enferma de Alzheimer, para quien el tiempo y el espacio se fusionan para convertirse en una unidad congelada.

Núcleo 2: Crisis

Muchas veces pensamos en la crisis como una situación inmediata y temporal, pero también puede ocurrir con tal lentitud que es casi imperceptible. Con el tiempo, incluso los edificios y las estructuras de poder más fuertes se derrumban. Aunque entendemos esto intelectualmente, nuestros sentidos no pueden comenzar a comprender la naturaleza de un cambio tan lento.

En este contexto, la frase “Esta es la punta del iceberg sugiere que los desastres ecológicos provocados por el cambio climático (como el aumento en la temperatura o en el nivel del mar, así como la pérdida de biodiversidad) son solo el comienzo. La crisis climática continuará desarrollándose lentamente, durante mucho tiempo, con efectos múltiples e impredecibles. Pero la frase tambien sugiere que, como humanos, tanto por nuestros logros como por nuestra arrogancia, nos hemos colocado en la punta del iceberg, y desde ahi evaluamos lo que hemos hecho. Desde este punto de vista, muchos pueden ver las consecuencias del uso humano de los recursos naturales y han decidido tomar medidas de manera colectiva, no solo para nosotros, sino en nombre de otras especies. Si no lo hacemos, desapareceremos cuando se derrita el iceberg.
SUPERFLEX

Las crisis generan cambios y nos fuerzan a actuar. Ahora nos enfrentamos a una crisis sanitaria, ecológica y política, y todas convergen hacia un mismo punto de quiebre, uno que pone en peligro nuestro futuro y nos hace cuestionar si sobreviviremos o no. Pero la verdad es que la naturaleza es buena para adaptarse. El mundo continuará sin humanos.…. Y los mosquitos y las ratas no van a extrañarnos.

Las obras mostradas en esta sala toman fuerzas o argumentos opuestos, como el tiempo y la humanidad, lo natural y lo hecho por el hombre, lo técnico y lo real, lo trágico y lo cómico…, y los yuxtapone sin llegar a ninguna conclusion; simplemente sugieren posibilidades alternas. Las tensiones que surgen de esto solo están aqui para confundir, perturbar y eventualmente ayudar al espectador a construir sus propios pensamientos.

Atelier Van Lieshout

Atelier Van Lieshout
(Países Bajos, 1963)
Telephone Guy, 2020
Hombre del telefono
Técnica mixta

A los holandeses no les gusta enarbolar la bandera. Algunos sienten que el tricolor nacional ha sido reclamado por la derecha, para otros recuerda un pasado colonial que no inspira orgullo. De ahí las marcas de quemaduras en la bandera detrás del tipo del teléfono, un trapo atado sin ceremonias a un asta de bandera demasiado pequeña.

También lleva un teléfono anticuado en una bonita pero inútil funda de terciopelo y lleva una máscara antigás que no mejorará la calidad de sus comunicaciones. Su atuendo chamánico subraya la naturaleza simbólica e irracional de todos los mensajes; más cerca de un susurrador de espíritus que de un oficial de logística moderno. El tipo del teléfono es un gigante con pies de barro, empantanado en el debate sobre la identidad nacional.

SUPERFLEX
(Dinamarca, desde 1993)
Modern Times Forever (Stora Enso Building, Helsinki), 2011
Tiempos modernos para siempre (Edificio Stora Enso, Helsinki)
HD, animación fotorealista en 3D, 240 hrs

SUPERFLEX fue fundado en 1993 por Jakob Fenger, Bjørnstjerne Christiansen y Rasmus Nielsen. Con una práctica diversa y compleja, el colectivo desafía el papel del artista en la sociedad contemporánea y explora la naturaleza de la globalización y los sistemas de poder. SUPERFLEX describe sus obras de arte como herramientas, así sugiriendo múltiples áreas de aplicación y uso.

La película Modern Times Forever de SUPERFLEX muestra el deterioro del Edificio Stora Enso en Helsinki – un símbolo arquitectónico e ideológico de la capital finlandesa – en una animación ficticia sobre lo que podría sucederle al edificio durante un período de varios miles de años si los días de la humanidad llegan a su fin. El tiempo de la película avanza a un galope estimado de varios cientos de años cada día en el transcurso de los 10 días de duración de la película, dejando nada más que tiempo para afectar la descomposición. A través de la imagen en descomposición de la sede de Stora Enso, la obra plantea cuestiones sobre el cambio climático, la planificación urbana, la historia industrial de Finlandia y los cambios en las estructuras económicas.

Jorge Méndez Blake
(México, 1974)
Proyecto de anfiteatro (Arquitectura de la discusión) IV / Project for Amphitheater (Architecture of Discussion) IV, 2021 Mármol Moca fino

En esta exhibición encontramos obras de la segunda exposición individual de Méndez Blake en OMR, Nos sentamos, escuchamos, discutimos. En medio de una pandemia mundial, nuestra sociedad enfrenta otras dos crisis: la democrática y la poética. Al explorar el anfiteatro como lugar de nacimiento del poeta, Jorge Méndez Blake intenta representar a la poesía como creadora de la comedia y la tragedia de la sociedad y, por tanto, de la democracia.

“La democracia tal como la conocemos hoy, comenzó con los poetas griegos clásicos, quienes escribieron sobre héroes y tragedias en el Teatro de Dionisio en las colinas de la Acrópolis de Atenas para compartir emociones y brindar un sentido de comunidad. Estas obras despertaron sentimientos universales de solidaridad y empatía entre el público, que se encontró llorando y riendo juntos, por las mismas razones, y esto llevó a la democracia.Jorge Méndez Blake

Jorge Méndez Blake
(México, 1974)
Reconstrucción de anfiteatro (Nos sentamos, escuchamos, discutimos) III / Amphitheater Reconstruction (We Sit, We Listen, We Discuss) III, 2021 Lápiz de color sobre papel Lenox 200 blanco montado sobre alucobond y marco de madera

La democracia como la entendemos hoy en día comenzó con los poetas de la Grecia clásica, quienes escribieron sobre héroes y tragedias en el Teatro de Dionisio en las montañas de la Acrópolis de Atenas para compartir emociones y crear un sentido de comunidad. Estas obras despertaron un sentimiento universal de solidaridad y empatía entre el público, quien se encontró llorando y riendo juntos, por las mismas razones, y esto llevó a la democracia.

En medio de una crisis global, no solo sanitaria sino democrática y poética, Méndez Blake intenta reconstruir el lugar de origen del poeta para restaurar su rol original como creador de la tragedia y la comedia – y en consecuencia de la democracia – usando el anfiteatro como un símbolo de la posibilidad de escuchar, discutir y vivir en comunidad. 

Como en los antiguos anfiteatros, podemos sentarnos, podemos escuchar, podemos discutir, podemos habitar nuestras comunidades.

Atelier Van Lieshout
(Países Bajos, 1963)
Descent from the Cross, 2021
Descendimiento de la Cruz
Bronce

La deposición de Cristo ha sido un tema popular en el arte desde el siglo IX. Tanto es así que se ha convertido en un arquetipo que simboliza la tristeza, el arrepentimiento y la pena. Típicamente, el cuerpo muerto de Cristo es sostenido por la virgen María y María Magdalena, quienes lo bajan al suelo.

En la versión de Atelier Van Lieshout, la cruz está montada en un marco que la levanta del suelo como si estuviera controlada por un titiritero en el cielo. Los dolientes intentan contrarrestar esta fuerza, pero parecen darse cuenta de que han perdido a su ser querido por un poder superior.

Christian Jankowski
(Alemania, 1968)
Crying for the March of Humanity, 2012
Llorando por la marcha de la humanidad
Video, NTSC, 16:9, color sound

Christian Jankowski es un artista conceptual cuyo trabajo se centra en el performance con piezas realizadas principalmente en cine, video y fotografía, entre otros medios diversos. Su obra genera colaboraciones entre los mundos del arte contemporáneo y otras profesiones, abarcando la religión, los negocios, la política y el entretenimiento.

Protagonistas de muchos campos se adhieren al arte de Jankowski, que se desarrolla en estrecha interacción con los formatos de los medios de comunicación y sus mecanismos de producción. Este énfasis en la creación colectiva sirve para cuestionar el poder de la imagen.Para su obra, Crying for the March of Humanity, 2012, (Llorando por la Marcha de la Humanidad), Jankowski solicitó a Televisa, que reprodujera un episodio completo de la telenovela mexicana La que no podía amar. Aunque se realizó con el guión, la ubicación, el elenco y el procedimiento de posproducción originales, la versión de Jankowski reemplaza todos los diálogos de los actores con llantos. A través de auriculares, el elenco pudo escuchar sus líneas originales, por lo que sus gritos se sincronizan con el lugar del episodio original. El título de la obra hace referencia al mural más grande del mundo por David Alfaro Siqueiros, La Marcha de la Humanidad en la tierra y hacia el Cosmos, compartiendo su ambicioso y universal tema: la lucha de los seres humanos a lo largo de la historia por una sociedad mejor.

Gabriel Rico
(México, 1980)
V-That that is between inferior & superior, 2019
V-Eso es entre inferior y superior
Técnica mixta

Esta serie consiste de tres esculturas a través de las cuales exploro las posibilidades de materializar física e ideológicamente la fragmentación del ser humano contemporáneo. Para lograr esto, he seleccionado ciertos objetos y materiales fuertemente asociados con la cotidianidad de la sociedad de hoy; una silla de metal y un esqueletos son la base de estas tres esculturas, pues sirven para actos tan imparciales como la comida o la recreación.

Algunos otros materiales tienen connotaciones más específicas: por ejemplo, el panal se relaciona con la trascendencia del cuerpo a través de la momificación, la botella de Coca-Cola es un símbolo inequívoco de la cultura popular de esta era.
Cada uno de los distintos elementos tiene connotaciones socioculturales precisas, y es la labor del espectador intuirlas desde su experiencia de visa. Estas piezas están creadas para ser leídas individualmente. El título se refiere a la fragmentación propia del significado de la oración, desde el tartamudeo como una vía física para lograrlo, como mi práctica me lo permite con estas esculturas.
Lo que intento lograr es la cohesión estética entre materiales sin ninguna relación previa. Me gusta imaginar las esculturas de esta serie como situaciones particulares que son posibles como resultado de mi obsesión con coleccionar diferentes objetos de los lugares donde he estado, y después usarlos en obras de arte que contemplan la cohesión morfológica como base.

Gabriel Rico

Eduardo Sarabia
(USA, 1976)
La Conquista de México – Morena / PAN / PRI / PT / PRD, 2016 Arcilla esmaltada y acrílico, pintura esmaltada sobre madera de pino

Eduardo Sarabia utiliza la narrativa como materia prima en su obra. Nacido en Los Ángeles de padres mexicanos, la obra de Sarabia aborda el impacto cultural de los fenómenos sociales y su bagaje histórico-geográfico. Las referencias autobiográficas en sus obras se desarrollan para definir sus propias experiencias, pero se velan intencionalmente para dar paso a una interpretación abierta y un énfasis en lo que enmarca los acontecimientos culturales y sociopolíticos de su vida.

El trabajo de Sarabia se desarrolla desde los materiales artesanales tradicionales, como la cerámica y el textil, hacia la escultura, la pintura, la instalación y la performatividad. La serie de tibores sobre los que Sarabia realizó logos de partidos políticos, surge del proyecto Serpiente Emplumada y otros Festejos, proyecto realizado en el Museo Tamayo en 2016. El título en inglés “Plumed Serpent and Other Parties”, es un juego de palabras involucrando los dos significados de la palabra “party” tanto como  un evento social como en referencia a un partido político. Esta doble connotación propone regresar a los conocimientos de nuestros antepasados ​​para valorar de manera esencial la fauna y la flora, y los antiguos rituales que han buscado darnos herramientas para encontrar un camino compasivo con el mundo. En este sentido, Sarabia crea un vínculo entre las mitologías contemporáneas y antiguas para expandir un estado de conciencia. Así, evoca a nuestros guías del pasado y del presente, quizás líderes políticos y sociales cuya misión se ve incompleta  por un complejo sistema de relaciones y dinámicas

Atelier Van Lieshout
(Países Bajos, 1963)
Salvation, 2021
Salvación
Técnica mixta

Desde la década de los ‘80, Joep van Lieshout ha producido objetos de colores brillantes principalmente en poliéster, material que posteriormente se convertiría en su sello. En 1995 fundó Atelier Van Lieshout, un taller de más de 20 personas que confronta el mito del genio creador independiente.

A lo largo de su carrera, Atelier Van Lieshout ha adquirido reconocimiento internacional por crear objetos e instalaciones que oscilan en el límite entre arte, arquitectura y diseño. Mediante piezas prácticas, utilitarias y sustanciales, AVL toca temas como la autarquía, el poder, la política, la vida y la muerte.

Una de las primeras esculturas de Joep van Lieshout, concebida en 1983, es una mesa de operaciones que funciona como un tajo con desagües para reciclar los fluidos corporales y estiletes ocultos para cortar la vértebra del paciente si es necesario. Salvation se convierte fácilmente en tortura y ejecución. Se cuestiona nuestra fe en los agentes de la ciencia racional, así como el valor de la vida humana misma. Un par de brotes de ébola, la crisis del VIH y una pandemia de Covid-19 más tarde, y Salvation de Atelier Van Lieshout deletrean un futuro no tan diferente. Los médicos son templarios, sacerdotes y chamanes, todo en uno: en parte sanador, en parte verdugo. Las enfermeras brindan atención y consuelo sexualmente cargado.

SUPERFLEX
(Dinamarca, desde 1993)
This Is The Tip Of The Iceberg, 2020
Esta es la punta del iceberg
Luces LED, plexiglás, letras de aluminio y adaptador de corriente

Con reminiscencias de la señalización comercial que se encuentra con frecuencia en los paisajes urbanos y generalmente ubicada en la parte superior de las fachadas o edificios, This Is The Tip Of The Iceberg es una instalación basada en texto que consiste en un letrero iluminado hecho con letras LED azul océano montadas en una pared.

Este es solo el comienzo del colapso de estructuras humanas de larga data, así como de muchas formas de vida natural. Es incluso posiblemente el final del “tiempo del hombre”, la época ambiental conocida como el Antropoceno. Sin embargo,  no  es solo un final sino también un nuevo comienzo.

Christian Jankowski
(Alemania, 1968)
Heavy Weight History (Syrenka); Heavy Weight History (Little Insurgent); & Heavy Weight History (Strong Man), 2013
Historia de peso pesado (Syrenka); Historia de peso pesado (Pequeño insurgente); & Historia de peso pesado (Hombre fuerte)
Fotografía en blanco y negro sobre papel Baryta

En una ciudad como Varsovia, destruida casi en su totalidad durante la Segunda Guerra Mundial, los memoriales operan como signos de nuevas y viejas identidades. Con Heavy Weight History, Jankowski decide romper con esta narrativa histórica para introducir ligereza a un tema de tal gravedad – y hacer a levantadores de pesas elevar del piso […]

En una ciudad como Varsovia, destruida casi en su totalidad durante la Segunda Guerra Mundial, los memoriales operan como signos de nuevas y viejas identidades. Con Heavy Weight History, Jankowski decide romper con esta narrativa histórica para introducir ligereza a un tema de tal gravedad – y hacer a levantadores de pesas elevar del piso los monumentos de la ciudad. 

Yann Gerstberger
(Francia, 1983)
PPP Amazonia, 2020 Textil, cuerda de escalada y ojales de acero industriales

La singularidad de PPP Amazonia reside en la intensidad y calidez de los tonos y el reflexivo proceso que llevó a ellos.
PPP Amazonia exhorta a la preservación de la diversidad de nuestra herencia natural y cultural. Aves mensajeras y cometas, exuberantes selvas y cazadores mariposa fallidos, jardines tropicales y fuegos agonizantes… Una vez unidos, esta turbina de referencias visuales, literarias y cinematográficas despierta conversaciones misteriosas…

Durante la última década, Yann Gerstberger ha creado un cuerpo de trabajo en el que sus motivos discontinuos, inocentes tropicales y primitivos constituyen un vocabulario visual que mezcla lo figurativo con lo abstracto. Rugosos y coloridos, estos tapices son una amalgama sublime del extenso archivo de referencias recopilado por el artista de múltiples fuentes, incluido el internet, en un esfuerzo por relacionar el mundo material con su contraparte imaginaria. Estructurada a través de fibras de trapeadores teñidas a mano, la materialidad de la superficie de la imagen se torna suave como resultado del proceso, haciendo eco de la naturaleza digital de la imagen de origen, como si lso píxeles la hicieran borrosa. A pesar de que las obras son claramente legibles a la distancia o a través de una fotografía, en una inspección más cercana las cualidades táctiles de los tapices interfieren con la habilidad comunicativa de la imagen en la realidad. El estilo de Gerstberger nubla los límites al conectar imaginaciones y mundos, logrando gradualmente la transformación de una imagen en otra. Su lenguajes visual es uno principalmente vernáculo que referencia el cómic Fábulas Pánicas del artista franco-chileno Alejandro Jodorowsky y la fantasía tropical europea, pero que también continúa la tradición modernista francesa.

Núcleo 3: Reconexión

Bajo este umbral espero a que las cosas que creía ser y las cosas que creía necesitara se disuelvan. Mis ideas, dogmas y creencias se desmoronan y dan paso a algo diferente. Aquí aguardo aquello en lo que poder devenir. Avanzo por la neblina opaca de este bosque de ficciones, con perseverancia y compasión.

Esta transición es un estado sin forma fija, como el polo magnetico de la Tierra; en constante autocuestionamiento, en constante recalibración. Esta es una travesía con forma de río circular; que hace el surco más profundo con cada pasada.

Tiendo un puente al interior. Silencio mi reflejo en el otro a medida que tomo distancia. Trato de eludir espejos o condicionamientos sociales. Cruzando el puente solo queda continuar avanzando a través de la maleza, hasta avistar el faro de dentro.

Ana Montiel

Pia Camil
(México, 1980)
Blujeaneando, 2019 Instalación textil

Pía Camil se inspira en los paisajes urbanos de América Latina, abordando la historia del modernismo para crear pinturas, esculturas, performances e instalaciones. A menudo usan procesos laboriosos con fabricantes locales, la artista desacelera, con producción artesanal, el ritmo frenético de la manufactura en masa, lo cual puede apreciarse en el carácter íntimo de sus piezas.

Blujeaneando está hecho con jeans de segunda mano rellenos de algodón y cosidos a la cintura. El título es una referencia al dry humping. Sin embargo, esa misma simulación del deseo puede convertirse en una experiencia siniestra al interpretar los jeans como una pila de cuerpos desmembrados. Así, la obra invita al espectador a interactuar y jugar con ella, mientras ese segundo pensamiento permanece presente y genera una tensión, punto clave de la obra.

Ana Montiel
(España, 1981)
INITIATION: SEPARATION (Symphony No.3, Op. 36 – III. Lento – Cantabile semplice) 1; INITIATION: SEPARATION (Symphony No.3, Op. 36 – III. Lento – Cantabile semplice) 3; & INITIATION: SEPARATION (Symphony No.3, Op. 36 – III. Lento – Cantabile semplice) 4, 2021 Acrílico sobre tela

El proyecto “Initiation” es un estudio sobre umbrales simbólicos, fases liminales y ritos de iniciación. Una reflexión sobre el promover cambio en nuestra condición existencial al infundir nuestra experiencia con profundidad, sentido e intención con el propósito de renacer en un nuevo rol.

Ana Montiel
(España, 1981)
INITIATION: SEPARATION (Concerto en mi mineur – SBI 152 – Versión de 1802), 2022 Acrílico sobre tela

El proyecto “Initiation” es un estudio sobre umbrales simbólicos, fases liminales y ritos de iniciación. Una reflexión sobre el promover cambio en nuestra condición existencial al infundir nuestra experiencia con profundidad, sentido e intención con el propósito de renacer en un nuevo rol.

Núcleo 4: Transformación

Rubén Ortiz Torres
(México, 1964)
El sueño de la razón todavía produce monstruos (The Dream of Reason Still Produces Monsters), 2006 Raza Cósmica Productions, Los Angeles Master digital para 3 versiones de proyección

En esta obra Rubén Ortiz Torres recupera imágenes del archivo de David Alfaro Siqueiros y las reseignifica a través de la deformación

François Bucher
(Colombia, 1972)
Anisotropía #7 Big Bang, 2019 Filtro polarizado, acrílico, marco de acero, PET y panel de luz led

La obra e investigaciones de François Bucher abarcan un amplio espectro de intereses y medios. En el vocabulario de Bucher, todo está interrelacionado: las diferentes obras y textos están asociadas entre sí, formando múltiples suturas, que a su vez generan nuevos significados sin precedente. Las piezas crean elipses, espacios inéditos de pensamiento que subyacen al campo del conjunto.

Anisotropía #7, Big Bang, 2019 es un facsímil de una de las representaciones más conocidas del Big Bang en plástico PET termoformado. Esta misma imagen, como se mencionó anteriormente, fue creada a partir de los sonidos grabados del Cosmos por radioastronomía sofisticada. El elemento principal para “pintar” esta imagen del tiempo total del Universo es nada menos que la anisotropía y/o la polarización. La obra de arte consiste en un retorno circular a la técnica con la que se fabricó la imagen científica. Los colores de la imagen existen gracias a la cristalinidad en los puntos de tensión del polímero, que es el resultado de la anisotropía/polarización porque se coloca entre dos filtros polarizadores

Pablo Dávila
(México, 1983)
Phase paintings (The natural flow of forgetting), 2022
Pinturas de fase, (El flujo natural de olvidar)
Grabado láser sobre lienzo

Pinturas de fase, (El flujo natural de olvidar),es una serie que ahonda en las nociones de tiempo y movimiento, o mejor dicho, movimiento en el tiempo. Cada pintura representa dos instancias que, cuando se superponen y se traducen en términos visuales, generan un tercer momento de diferencia, interferencia e interrupción.

La discrepancia de la imagen no es otra que la visualización del paso del tiempo, y con él, la memoria, la percepción y la huella que va dejando. La imagen evidencia tanto la presencia como la ausencia de una representación en el lapso de una milésima de segundo.

François Bucher
(Colombia, 1972)
La Maloca como radio antena invertida, 2019 Acero inoxidable forjado y soldado

La Maloca -sitio ceremonial de los indígenas de la Amazonía- es una figura holográfica de la cúpula celeste. Lo que sucede adentro en los bordes de ese reflejo del cielo paradójicamente circunscribe lo eterno, retrocede en el tiempo, dialoga con el origen del todo. Por eso, el mito del origen se juega allí como una narración infinita, como una danza, un patrón, o un eco del orden invisible.

La cúpula fractal del cielo -como una antena de radioastronomía invertida- juega a emular el espacio ritual, un espacio en el que la arquitectura no se expresa únicamente como un “edificio que encierra un espacio”, sino como una estructura abstracta que abre una sugerencia: la de un todo que encaja en su parte. El edificio como holograma que expresa lo calendárico; realiza la estructura del tiempo, se abre como un gran pulmón antes de volver a contraerse, como una onda que se expande desde el origen hasta el infinito.

La cúpula es también una expresión literal del paso entre dimensiones. Es un levantamiento de la segunda a la tercera dimensión, de un fractal clásico que parte del uno y va en la búsqueda incesante del todo; expresa, en dos palabras, el paso interdimensional.

François Bucher
(Colombia, 1972)
Pensé en un laberinto, 2019 Ácido polilactido, resina y pintura automotiva

El famoso laberinto de la Catedral de Chartres se transforma de bidimensional a tridimensional; así se altera su ontología esencial. De esta forma varía el ethos del viaje espiritual que expresa la forma del laberinto original. Con la aparición de la topografía (una arriba y otra abajo), aparece un sinfín donde no hay salida. Pero es precisamente en este viaje circular infinito donde se sugiere la emancipación del alma.

Como en el ensayo sobre Sísifo de Camus: por más desesperado que parezca el destino de un laberinto sin salida, aquí es donde puede ocurrir el insondable milagro de la iluminación. También como en el “Camino que no lleva a ninguna parte” – Holzwege – de Martín Heidegger, la sugerencia es sobre un viaje espiritual sin teleología, donde el instante de la verdad está esperando en cualquier curva.

James Turrell
(USA, 1943)
Gathas (Curved Glass Series), 2019 LED computerizado

James Turrell dedica su obra a la exploración de las manifestaciones de luz natural y artificial. Penetra las fronteras de la percepción creando instalaciones y ambientes que transforman la luz en un medio artístico. Desmaterializa la arquitectura y transforma los espacios jugando con ella. Superficies, colores y espacios se juntan y permiten al espectador entrar en un mundo pictórico y misterioso.

Gathas pertenece a la serie de Curved Elliptical de James Turrell. Inspirada en sus Shallow Space Constructions de finales de los años 60 y 70, esta obra continúa la exploración del artista sobre las posibilidades tecnológicas combinadas con prácticas sensoriales e invita a los espectadores a participar en una experiencia meditativa. Gathas fascina al desplegar el cautivador efecto de la luz sobre una superficie curva. Al observar este impresionante juego de luces, el plano de 2,5 dimensiones se transforma en una profundidad indefinible en la que la mirada puede perderse.

Estos “espacios dentro del espacio”, como menciona el artista, son portales luminosos, instrumentos que alteran nuestra percepción. Mirarlos resulta en la lenta disolución de los perímetros del espacio en el cual uno se encuentra, envolviendo al espectador en el color puro.

*James Turrell se presenta en colaboración con Hausler Contemporary.

James Turrell
(USA, 1943)
Crater’s Eye, 2006
Ojo del cráter
Bronce, gips y base de madera

Ubicado en la región del Painted Desert del norte de Arizona, el Roden Crater es la culminación de la investigación del artista en el campo de la percepción visual y psicológica. Es un ambiente controlado dentro de un cono de ceniza volcánica.

Mínimamente invasiva para el paisaje natural exterior, la intervención arquitectónica de la ceniza roja y negra transforma el lugar en un observatorio natural de eventos terrestres y celestiales; una puerta de entrada a la contemplación de la luz, el tiempo y el paisaje que vincula lo físico y lo efímero, lo objetivo con lo subjetivo, en una experiencia sensorial y mística.

Hasta el momento se han completado seis espacios, incluidos dos de los más difíciles.

Cuando esté completo, el proyecto contendrá 24 espacios de observación y seis túneles.

*James Turrell se presenta en colaboración con Hausler Contemporary.

José León Cerrillo
(México, 1976)
POEM (uno en lugar del otro); POEM (uno en ese lugar); & POEM (uno en otro nada más), 2021 Lámina de acero con corte de agua. Acabado cromado

José León Cerrillo es un artista polifacético que explora los límites de la abstracción a través del uso de una amplia gama de medios como la escultura, la instalación, los carteles impresos y el performance. Cerrillo trabaja a partir de sistemas geométricos simples y reinventa los símbolos y la iconografía del modernismo y el constructivismo.

Sus objetos, esculturas e instalaciones perturban el espacio en el que se presentan, haciéndose eco de su arquitectura y al mismo tiempo deconstruyéndola.

La serie Poems tomó como punto de partida preguntas abiertas sobre las formas en que el lenguaje condiciona al sujeto y viceversa. La serie comenzó en 2015 como una edición de serigrafías en las que se recopilaba una especie de alfabeto idiosincrásico que ha ido creciendo con los años y se ha convertido en un archivo propio. Este archivo funciona como un lugar desde el que explorar la posibilidad contradictoria de un lenguaje verdaderamente abstracto. El archivo se aplica como un sistema gráfico reutilizable que se combina de forma diferente cada vez, permitiendo formatos y soportes mutables pero siempre señalando o manifestando las posibilidades y problemas del sentido a través de la repetición: una sacudida de la interpretación como forma. Los poemas existen en algún lugar entre diagramas, dibujos, patrones, mapas o sistemas de signos, un cambio de forma aparentemente constante que involucra al espectador como participante de una posible autonomía tanto para el sujeto como para el objeto, puntos clave dejados por la teoría queer operante.
En todo este tiempo, la serie Poems ha adoptado diferentes soportes en proyectos anteriores; desde serigrafías sobre vidrio, lienzo y mármol hasta soluciones más escultóricas en hormigón, chaquetas impermeables reutilizables o pabellones arquitectónicos al aire libre.

José León Cerrillo
(México, 1976)
POEM (horizon), 2018 Serigrafía sobre vidrio templado transparente
Núcleo 5: Colaboración

Mario García Torres
(México, 1975)
I Could Tell You The Title But I’d Have To Kill You, 2021
Podría decirte el titulo, pero tendría que matarte
Toner y acrílico sobre tela

Esta serie pictórica se realizó esparciendo toner–un polvo fluido compuesto por granos microscópicos normalmente usado para hacer fotocopias – sobre lienzo. Se podría decir que estas obras monocromáticas son determinadas por el tiempo: una narrativa emerge mientras el material avanza sobre la superficie, de arriba hacia abajo.

Como registros directos de un accidente irreproducible, las piezas negocian entre gesto y entorno, capturando los más sutiles cambios en la trayectoria de las partículas. De manera sutil citan el cuerpo de trabajo histórico de dos artistas a los que García Torres ha dedicado obras anteriormente: Robert Smithson vertiendo asfalto sobre tierra y Alighiero Boetti fotocopiando la lluvia. La fotocopiadora –una tecnología casi obsoleta, como el film y los proyectores de diapositivas– fue adoptada por artistas inmediatamente después de su creación en la década de 1960. Al concebir estas obras como pinturas monocromáticas, García Torres elimina a este emblemático material de sus asociaciones con un estética de tecnologías marchitas y reproductibilidad barata, enfocándose más bien en su naturaleza errática y la imposibilidad de la reproducción fuera de la maquinaria. 

Jorge Méndez Blake
(México, 1974)
Si se conoce una ciudad de Utopía, se conocen todas (Utopía, Texas) II/As for Their Cities, He that Knows One of Them All (Utopía, Texas) II, 2019 Acrílico sobre lino

La primera edición de “Utopía” por Tomás Moro se publicó en 1516. Este libro describe una isla desconocida en la que no existe la propiedad privada, la distinción de clases ni ningún otro vicio de la sociedad europea del siglo XVI. Con el paso del tiempo el término utopia, derivado de la etimología griega con el significado “no-lugar” ha sido ampliamente utilizado para describir desde sociedades perfectas hasta valores inalcanzables y lugares idílicos.

En ese sentido, (y probablemente de una forma más superficial) se ha usado en el nombre de varios hoteles y alojamientos alrededor del mundo, en el que el concepto es asociado con un lugar al que la gente puede escapar para encontrar bienestar y placer. 

Viajando por diferentes localizaciones en China, Tailandia, Estados Unidos y Grecia, Méndez Blake ha visitado algunos de estos lugares con la intención de escribir una carta a Tomás Moro desde un espacio realmente llamada Utopía y para imaginar una serie de visitas ficticias a la isla. 

Artur Lescher
(Brasil, 1962)
Félix, 2021 Latón, acero inoxidable y líneas trenzadas verdes

Artur Lescher investiga las cualidades tangibles de la escultura y su interacción con la arquitectura. Las obras de Lescher dan fe de su constante experimentación con los materiales, sus cualidades físicas y características objetuales. A través de sus obras, el artista hace constante referencia a elementos naturales, que al ser reproducidos impecablemente mediante procesos industriales, revelan y desmienten estas alusiones reales.

Torolab
(México, desde 1995)
Cuarto de trabajo: La mesa sin fin (Goeritz-Kiesler), 2014 Mesa sin fin fabricada a partir de la caja de "La Ciudad Infinita", dibujo, video, copia del archivo, edición de las 3 recetas, compromiso de colaboración firmado por el artista y el coleccionista.

La Granja es el resultado de cinco años de investigación liderados por Torolab en torno a Camino Verde, uno de los barrios más pobres y densamente poblados de México. El proyecto consiste de un amplio rango de estudios sociales, geográficos y demográficos que resultaron en la creación de un espacio físico donde comida y vestido son cultivados mientras se desarrollan y transmiten habilidades, sueños e ideas.

La exposición del mismo nombre que tomó lugar en OMR en 2014 planteó para los involucrados la misma dedicación física y emocional que el proyecto en Camino Verde, pero en un ambiente de galería para crear un laboratorio de plaza. 

Este espacio de trabajo, construido a partir de una caja de embalaje desechada que originalmente se usó para una obra de Mathias Goertiz, hace referencia a la afinidad del artista con el movimiento De Stijl, o neoplasticismo, y sirvió como una plataforma utópica alrededor de la cual los visitantes y miembros de La Granja pudieron reunirse para construir la transformación pragmática y urbana de un espacio físico. 

Torolab
(México, desde 1995)
Mi cielo personal [conversaciones en construcción 1963-2016], 2016 Geodésica de madera, icosaedro: bocina, metal y tela
Troika
(UK, desde 2003)
Reality is not Always Probable, 2019
La realidad no siempre es probable
69,108 dados color marfil de 10 mm sobre madera

‘Reality is not Always Probable’ (La realidad no siempre es probable) está construida de decenas de miles de dados y se genera, línea a línea, al emular manualmente las reglas de un programa de computadora binario simple. Su título hace referencia a la cita de Jorge Luis Bore sobre el desasosiego del hombre ante la ausencia de eventos predecibles y la creencia de que el conocimiento absoluto es inalcanzable.

Esta obra se origina del interés de los artistas en la experiencia humana de las producciones digitales y el alejamiento de la realidad material en favor de la virtual y la digital – hacia una nueva realidad cotidiana en la que lo material y lo inmaterial son cada vez más intercambiables, comprimida como si toda la vida pudiera ser reducida a 1s y 0s.

Es parte de una serie reciente de obras en la que Troika adapta sistemas y métodos, como algoritmos de computadora o secuencias matemáticas que son tomadas de la columna vertebral virtual de nuestro mundo físico. Usando materiales comunes como cobre y cinta adhesiva o, en este caso, dados para simular secuencias digitales, estas obras son recreaciones físicas de lo que cada vez es menos visible. Reflexionan sobre las maneras en las que el mundo digital se expande día con día hacia el mundo físico. Troika alcanza estas composiciones que derivan de la lógica al establecer condiciones iniciales y después introducir un elemento impredecible, en este caso un algoritmo evolutivo, desde el cual emerge lo inesperado. 

El uso de los dados hace referencia a la función histórica de los dados como un medio para determinar el destino, el azar y la suerte. Al restringir los número visibles en los dados a 1s y 6s, Troika ha reducido el potencial aleatorio de éstos a un resultado binario.

Christian Jankowski
(Alemania, 1968)
Body Buildings – Pedro Ramírez Vázquez, 2021 Concreto

Body Buildings de Christian Jankowski cuestiona las convenciones de la cultura conmemorativa y crea conexiones entre el arte, la arquitectura y la ingeniería. La obra se disfraza exteriormente de vivienda arcaica y sólo al ver el interior se revela una reflexión sobre un posible monumento a un arquitecto pionero.

En la sección transversal de la escultura residencial se inscribe el perfil de un rostro, en este caso el del arquitecto mexicano Pedro Ramírez Vázquez, como si el perfil de una cabeza gigante hubiera girado 360 grados sobre su propio eje. La semejanza humana del ícono de la arquitectura moderna crea un espacio para pensar y vivir. Esta es una maqueta presentada en una escala de 1 a 10 de la escultura original de Jankowski.

José Dávila
(México, 1974)
Cosmic Umbrella, 2013
Sombrilla cósmica
Impresión de pigmento de archivo

Cosmic Umbrella, 2013, (Sombrilla cósmica) alude al arquitecto español Félix Candela y cómo solía pedir a sus trabajadores que se pararan sobre los cimientos de sus edificios para confirmar que eran lo suficientemente fuertes para soportar el peso de varios hombres. Si la base era lo suficientemente sólida, la construcción continuaría.

En la serie Topologies of Identity (Topologías de la Identidad) todos los sujetos centrales de las imágenes no son edificios u obras de arte, sino personas, los mismos autores de muchas de las obras a las que se ha referido Dávila en el pasado. Estas personalidades -arquitectos y artistas- se encuentran en sus estudios o alrededor de sus obras, dándonos una pista para descubrir quiénes son y recordándonos su presencia constante y su continua influencia como fuente de admiración y creatividad. Como espectadores de la obra, de alguna manera nos vemos obligados a completar las imágenes faltantes de las impresiones en nuestros pensamientos, a través de la imaginación y la memoria, para finalizar la obra.

Benoît Maire
(Francia, 1978)
Itself, 2015
Sí mismo
Vitrina de acrílico, páginas de publicaciones anteriores de Benoît Maire, fotocopias, caja de madera con impresión C sobre papel, herramienta de piedra, estante de madera de paduak, pera de madera, Mano (mármol blanco calacatta cortado con proceso de perforación robótica)

En 2008 Benoît Maire comenzó a escribir un manual de estética en el que imágenes, objetos y escritura toman forma para traer a la luz algunos de los temas principales de la estética contemporánea. Comenzando desde la diferencia (entendida como el conflicto irreconciliable) entre el decir y el ver, Benoît Maire trabaja en el umbral en en el que el arte y la filosofía se unen en un uso práctico en el que las formas se expanden y se superponen las unas a las otras.

Alicja Kwade
(Polonia, 1979)
Rocking; Heavy Skies (Rocking); & Desert Skies (Rocking Southern California), 2022
Balanceo; Cielos pesados (Balanceo); & Cielos del desierto (Balanceando el Sur de California)
Acero elástico chapado en oro y piedra

Alexander Calder introdujo los móviles en la historia del arte en la década de 1930. Al igual que Calder, Kwade también utiliza una construcción de metal cinético que permite que los elementos del móvil floten libremente en el aire. Pero a diferencia de su predecesor, Kwade contrasta este movimiento y desafía la experiencia visual del espectador uniendo enormes adoquines a delgados hilos de metal.

Los brazos equilibrados del móvil se mantienen en movimiento gracias a las fuerzas físicas, fuerzas que están en el corazón de la práctica de Kwade y un elemento central de la exposición, ya que las fuerzas son energía y la forma sigue a la energía.

Nina Beier
(Dinamarca, 1975)
Allegory of Peace, 2016
Alegoría de la paz
Grifo y monedas de bronce

Las instalaciones y performance de Nina incorporan objetos cotidianos en naturalezas muertas melodramáticas que examinan el simbolismo cultural inherente a dichos objetos. Beier frecuentemente manipula la materialidad para exponer su fragilidad o durabilidad. En su obra, Beier frecuentemente juxtapone objetos valiosos con otros desechables para incitar conversaciones entre ellos

Alicja Kwade
(Polonia, 1979)
Principium, 2021 Bronce patinado y granito grissano

En la serie “Principium” la altura de cada escultura está siempre conectada de manera directa al tamaño corporal de un ser humano, esto comenzó con un autorretrato de Alicja – ella mide 164 cm (64 ½ pulgadas). En ese sentido, cada “Principium” es único, pues refleja a un tamaño humano real e individual. Además, conceptualmente se puede argumentar que hoy en día un teléfono contiene más información íntima de cada persona que su propio ADN. Esto es lo que hace estas obras intrigantes, a la vez que mantienen su elegancia formal.

Atelier Van Lieshout
(Países Bajos, 1963)
Destiny, 2021
Destino
Bronce y acero forjado

En el arte occidental, los monos y los simios son usualmente representados como animales traviesos y desvergonzados, sin autocontrol y con una libido descontrolada. Son los secuaces del diablo, o incluso su encarnación. En la pintura del siglo XVII, los monos encadenados simbolizaban a la humanidad atrapada por la lujuria. Sin embargo, desde el punto de vista de Joep van Lieshout, los monos representan energía en bruto y entusiasmo por la vida.

Intentaron atar al viejo macho alfa y expulsarlo de su lugar, pero éste se liberó de las expectativas, de las obligaciones y de las ruedas giratorias del tiempo para reinar supremo. A pesar de estar sujeto al destino y tener que aceptar los giros desafortunados de los dados, permanece bajo control y se rehúsa a rendirse sin luchar. 

François Bucher
(Colombia, 1972)
Ars Combinatoria, 2017 Cable de acero tensado

La obra e investigaciones de François Bucher abarcan un amplio espectro de intereses y medios. En el vocabulario de Bucher, todo está relacionado entre sí: las diferentes piezas están asociadas a las otras, formando múltiples suturas, que a su vez generan nuevos significados sin precedente. Las obras crean elipses, espacios sin precedente de pensamiento que yace bajo el campo del todo.

Nina Beier
(Dinamarca, 1975)
Guardian, 2022
Guardián
Mármol

Leones de mármol con sus majestuosos cuerpos de estátua yacen volteados con leche en sus cavidades, actuando como platos de comida para los gatos del lugar. Estos leones tallados en piedra, llamados “leones guardianes” son usualmente situados en el límite de una propiedad como la imagen híper-legible de la autoridad territorial, marcando la división entre quien está adentro y quién está afuera. Cuando los leones abandonan su posición designada, se pierden o se liberan o ambas, separados de la arquitectura y el ornamento.

El contraste y la ruptura son características del trabajo de Nin Beier. La artista explora códigos culturales para hallar elementos cargados con historias particularmente complejas y problemáticas, elementos que han sufrido una transformación en términos de su intención, producción, distribución, comercio y uso. Especialmente los objetos que representan sistemas que han colapsado, son examinados para revelar las estructuras de poder implícitas, económicas e interpersonales, que representan. Al hacer esto, la artista propone complicadas preguntas sobre el valor y significado de los objetos. 

Las esculturas de leones de mármol son un producto con una extensa y amplia historia cultural. Han viajado por miles de años de Grecia a India, China e Italia, cambiando en este camino tanto en forma como en significado. Hoy en día, los leones son primordialmente un símbolo de la globalización, pues la mayor parte de ellos se producen en China. La manipulación de Beier, en apariencia simple, muestra las estructuras que se oponen y la complejidad de las cosas con las que nos rodeamos.

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